Yves Klein

Le 2 janvier 1957, à la galerie Apollinaire de Milan, Yves Klein inaugure l’exposition de onze monochromes bleus parfaitement identiques, qui, prétend-il plus tard, sont alors affichés et vendus à des prix différents. Qui cependant, de l’artiste ou du marché, est le plus arbitraire dans l’attribution des prix ? Deux réflexions s’entremêleront : l’une, théorique, sur le cas d’école que nous livre Klein en matière de valorisation et d’évaluation d’une œuvre d’art multiple, à l’aune de la pensée économique sur la valeur ; l’autre, plus historique, examinera la destinée réservée par le marché à ces œuvres en série.

Edité à l’occasion de l’exposition présentée à l’Hôtel de Caumont à Aix-en-Provence, ce hors-série retrace la trajectoire fulgurante de l'artiste.

Série d’ouvrages monographiques petit format qui permet d’envisager l’univers d’un artiste à travers une sélection de trente reproductions et autant de citations extraites d’entretiens, de correspondances ou d’un écrit de l’artiste lui-même.
Paroles d’artiste est bilingue anglais-français.

« Il ne suffit pas bien sûr, de dire ou d’écrire ou de proclamer : “J’ai dépassé la problématique de l’art !”, il faut encore l’avoir fait, comme
je pense l’avoir fait. » Yves Klein

Comme le disait Heinz Mack lors d’un de nos nombreux entretiens : « Êtes-vous bien conscient que je suis un des derniers à pouvoir vous raconter cela ? » De l’exposition de Dusseldorf en mai 1957 à la mort prématurée de l’artiste en 1962, de la création de l’opéra de Gelsenkirchen à la rétrospective de Krefeld, l’aventure allemande d’Yves Klein fut essentielle dans sa fulgurante carrière.
Grâce aux échanges intenses entre l’artiste français et les artistes allemands de sa génération – notamment du mouvement ZERO –, cette histoire se trouve ici retracée au moyen de matériaux d’archives et d’entretiens avec l’ensemble des témoins encore vivants. Intimement liée à l’évolution artistique outre-Rhin, cette biographie constitue aussi une archive exceptionnelle pour une double histoire de l’art. 

Robert Fleck, né en 1957 à Vienne, en Autriche, vit depuis 1980 en France. Critique d’art et curateur d’expositions, auteur en 2004 d’une double biographie d’Yves Klein et de sa mère, la peintre Marie Raymond, traduite en allemand, il a dirigé successivement l’ERBAN – École Régionale des Beaux-Arts de Nantes –, les Deichtorhallen – musée d’art contemporain et de photographie – à Hambourg, et le Centre national d’art et d’expositions de la République fédérale d’Allemagne à Bonn. Il est professeur à la Kunstakademie de Düsseldorf depuis 2012, et directeur adjoint depuis 2013.

L’espace d’une course météorique de huit ans, Yves Klein (1928-1962) met en œuvre un art immatériel du « réalisme merveilleux », destiné à « changer la vie » par une intime révolution esthétique de la personne. Les œuvres du feu et de l’air donnent forme à ce projet. L’aventure artistique d’Yves Klein est l’une des plus emblématiques du xxe siècle. Peinture, musique, sculpture, architecture, économie, religion, philosophie : elle aura tout investi pour s’accomplir. Libérée du système de la représentation et de la perspective forgé à la Renaissance, elle redimensionne l’art et en fait le grand stimulant de l’existence. Yves Klein élabore une esthétique du corps et de l’esprit sensible et étendue à la vie même. La couleur, l’immatériel et l’imagination viennent opérer une transfiguration du réel et une recon- version des valeurs. L’homme est invité à se surmonter : en faisant peau neuve, il se met lui-même en présence d’un monde redevenant création. Le feu en tant que « principe d’explication universelle » (Bachelard), destructeur et révélateur fonctionne dans l’œuvre comme l’élément plastique, métaphore de l’immatériel et autoportrait de l’artiste, Prométhée rimbaldien, voyant et voleur. Un puissant tropisme édénique ordonne le « réalisme merveilleux » d’Yves Klein, qui aspire à l’avènement d’un nouvel âge : celui de l’humanité bienheureuse et accomplie, ici et maintenant. Chacune de ses œuvres destine à une expérience intime de cette possibilité : monochromes, filles du feu. Le dépassement des paradoxes et des tiraillements de l’être dans une esthétique de l’existence.

Si l’importance de la rupture artistique apportée par Yves Klein (1928-1962) avec sa «révolution bleue», est largement reconnue, les interprétations de sa démarche se multiplient et se perdent bien souvent dans les méandres de la psychologie, de la religion, voire de l’obscurantisme. Alors que le projet de l’artiste s’éclaire si on veut bien analyser son œuvre fulgurante et ses écrits multiples, et les inscrire dans leurs rapports à l’histoire de l’art.
Cet ouvrage défend une thèse forte, à savoir que l’œuvre de Yves Klein achève la déconstruction du dispositif de la représentation et de la perspective héritée du Quattrocento, déconstruction commencée avec l’impressionnisme. Yves Klein clôture cette critique en immatérialisant le tableau, cette «geôle» des couleurs et cette prison de la sensibilité. Du même coup, il abandonne la structure ternaire (modèle/toile/regard) qui soutient tout le dispositif de la représentation, au profit d’une structure binaire, celle du Vide et de la Vie ou de la Nature et du Sujet. En mettant fin de façon radicale à la représentation, Klein inaugure l’ère de l’a-représentation, de la post-représentation. Il invite à la construction d’une nouvelle forme symbolique en art, voire au-delà, et en explore les multiples potentialités avec le théâtre du Vide, l’immatériel ou l’architecture de l’air et du feu.

Au milieu des années 1950, Yves Klein (1928–1962) déclarait: «Un nouveau monde réclame un homme nouveau.» Avec son style très personnel et son immense charisme, cet artiste ambitieux allait connaître une carrière courte mais prolifique, créant pendant sept ans plus de mille peintures considérées aujourd’hui comme des chefs-d’œuvre du modernisme d’après-guerre.

C’est surtout par ses grands monochromes peints avec le bleu qu’il a fait breveter que Klein s’est fait connaître. Composé d’un pigment pur et d’un liant, l’International Klein Blue est à la fois riche et lumineux, évocateur et décoratif, conçu par Klein comme un moyen de suggérer l’immatérialité et la nature infinie du monde. Ses œuvres issues de cette «révolution bleue» semblent nous mener vers une autre dimension, dans une hypnose produite par un ciel d’été à la pureté absolue. Klein est aussi connu pour sa série des «pinceaux vivants», femme nues recouvertes d’International Klein Blue laissant l’empreinte de leur corps sur de grandes feuilles de papier.

Cette introduction de la Petite Collection 2.0 présente les œuvres principales de Klein pour aborder un artiste à la fois homme de spectacle, inventeur et pionnier de la performance artistique. Au fil des pages de cette plongée dans un International Klein Blue toujours aussi attirant, l’ouvrage offre un guide essentiel pour découvrir un maître de l’art moderne et méditer sur les effets singuliers d’une couleur unique.

français :   978-3836553124
anglais :    978-3836553131
allemand : 978-3836553100

Cet ouvrage contient deux textes essentiels d'Yves Klein concernant l'immatériel, «Le dépassement de la problématique de l'art» et la «Conférence de la Sorbonne», avec un CD de l'enregistrement original de la Conférence à la Sorbonne.

Ce livre préparé et présenté par Denys Riout, historien d’art spécialiste d’Yves Klein, réunit deux textes proches et complémentaires : « Le dépassement de la problématique de l’art » et la « Conférence de la Sorbonne », textes essentiels pour comprendre la démarche de l’artiste, et qui exposent sa volonté de travailler sur la notion d’immatériel.

Le livre est accompagné d’un disque contenant un document extrêmement rare : l’enregistrement restauré de la conférence tenue par Yves Klein en 1959 dans un amphithéâtre de la Sorbonne. C’est une occasion unique d’entendre sa voix et son timbre si particulier.

Extrait de la « Conférence à la Sorbonne » : « C’est donc bien froidement que je commence en saisissant le fil d’Ariane qu’est pour moi cette impalpable sensibilité, nouvelle matière, nouvelle dimension, avant d’entrer dans le labyrinthe de la sensiblerie, en me promettant fermement de ne jamais le lâcher jusqu’au retour. Et voici comment les choses se sont passées.
À Anvers tout d’abord, il y a deux mois de cela à peine, invité à exposer avec un groupe d’artistes composé de Bury, Tinguely, Rot, Breer, Mack, Munari, Spoerri, Piene, Soto, je me rends à Anvers et, au moment du vernissage, à l’emplacement qui m’était réservé dans la salle d’exposition d’Hessenhuis, au lieu d’y placer un tableau ou un objet tangible et visible quelconque, je prononce d’une voix forte devant le public ces paroles empruntées à Gaston Bachelard : “D’abord, il n’y a rien, ensuite il y a un rien profond, puis une profondeur bleue.”
L’organisateur belge de cette exposition me demande alors où se trouve mon œuvre. Je réponds : “Là, là où je parle en ce moment.
– Et quel en est le prix de cette œuvre ?
– Un kilo d’or, un lingot d’or pur d’un kilo me suffira.”
Pourquoi ces conditions extravagantes au lieu d’un prix normal représenté par une somme d’argent tout simplement ? Parce que, pour de la sensibilité picturale à l’état matière première dans l’espace spécialisé et stabilisé par moi, en prononçant ces quelques paroles à mon arrivée, qui ont fait couler le sang de cette sensibilité spatiale, on ne peut demander de l’argent. “Le sang de la sensibilité est bleu”, dit Shelley et c’est exactement mon avis. »



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